Conducción de Voces Aplicada: Fondo Armónico y un Riff

Al aplicar la Conducción de Voces en Armonía Moderna, conviene tener clara la interacción con los demás elementos, y el lenguaje armónico específico. No es lo mismo hacer un fondo armónico para una pieza con un lenguaje armónico clásico-romántico, que para música moderna tipo rock. ¡Y esto a veces cuesta entenderlo un poco! Si no llevamos la teoría a la práctica, queda en eso… Hoy vamos a aplicar y haremos, en tiempo real, un fondo armónico o colchón.

¿Qué es un Fondo Armónico, primeramente?

Un fondo armónico o colchón armónico (o pad, en inglés), se refiere a una textura de notas largas, cuya funcionalidad es la de entregar una sensación clara de la armonía subyacente. Es un elemento de apoyo armónico, que funciona muy bien en variados contextos. Por ejemplo, es un rol que, en la orquesta, suelen cumplir los cornos en determinadas situaciones, ya que con su sonido noble y opaco no interfieren con la melodía principal.

La funcionalidad del fondo armónico es no llamar la atención, ser un 2^do plano que entrega una sensación mas llena en el sentido armónico. Al mismo tiempo, tiene que ver con la escritura coral, salvo que en esta se añaden varios movimientos entre voces para generar una forma sutil de contrapunto.

Hoy haremos varias versiones de un fondo armónico con violines, sobre un riff muy rock: primero, con una sola voz, luego a dos voces, mas tarde sumaremos una tercera voz, y para finalizar añadiremos algunos movimientos internos para generar suaves contrapuntos.

Si bien intentaremos responder a algunas reglas básicas de conducción de voces, hay otras que nos saltaremos, pensando en un lenguaje rock y un contexto específico.

¿Qué es la Conducción de Voces?

Con conducción de voces nos referimos a cómo se distribuyen los movimientos de una textura armónica. Como sabemos, un acorde cualquier lo podemos disponer de múltiples formas, ya que las notas que lo componen no están obligadas a permanecer dentro de la misma octava, si no que la armonía se puede abrir.

Cada una de las notas de un acorde se pueden pensar como una voz independiente. La conducción de voces se refiere al cómo conectamos un acorde con el siguiente, dentro de cada voz.

En la armonía moderna no se le da tanta importancia como en la clásica, donde si es sumamente importante y es fruto de mucho estudio. El uso de 7mas aliviana mucho la carga al respecto, ya que muchas de las “reglas” de la conducción de voces clásica se anulan o aligeran con mas posibilidades de notas para cada acorde. Aún así, tendremos un par de nociones básicas:

1. Cada voz, para generar un movimiento suave, se moverá a la nota mas cercana del acorde siguiente.
2. Cuando se pueda, intentaremos tener movimientos contrarios (donde dos voces se mueven en direcciones opuestas al siguiente acorde), o movimientos oblicuos (donde una voz se mantiene en la misma nota y la otra se mueve). El movimiento directo (donde ambas se mueven en una misma dirección) y paralelo (donde, además de ser en una misma dirección, mantienen el mismo tipo de intervalo), son los menos “recomendados” para crear una textura homogénea, pero todos los tipos de movimiento se utilizan.
3. Evitamos las quintas y octavas “paralelas”, es decir, que, siendo quintas u octavas, se mueven en la misma dirección y siguen siendo quintas u octavas. Esto ya que quita independencia a las voces y genera un efecto muy tosco. En el rock, podemos usarlas con criterio (y siempre, con conciencia!)

Ahora nos abocaremos principalmente a la cuestión práctica, durante el video. Igualmente, puedes profundizar mas sobre el tema de la conducción de voces y el voicing, si gustas.

La materia prima sobre la que formaremos el Colchón

El riff que les presento es un ejemplo que hicimos para el libro y curso sobre Armonía Modal, que estamos desarrollando y que saldrá en breve (te recomiendo suscribirte al boletín para estar al tanto). Es un riff muy rockero, donde guitarra y bajo delinean una armonía muy clara, que es la que indica el cifrado. Ambos van octavados. Recordemos que la guitarra se escribe una octava arriba de lo que suena en realidad.

Primera Versión: Con Sólo un Violín

Para comenzar le añadimos un violín, escogiendo una nota de cada acorde y respetando que, al haber 7^mas, no haya choques de 2^das menores, como es el caso de un acorde maj7 si disponemos 7 y 1 juntas.

Como la guitarra se escribe una octava mas arriba de lo que suena, puede ser engañoso. Si quieres ver mejor el proceso, te recomiendo ver el video, donde fui resolviendo la melodía paso a paso.

Si bien la melodía termino siendo muy ascendente, lo que puede ser desequilibrado, el riff está pensado primeramente como un puente armónico para pasar de una sección mayor a una menor, por lo mismo tendría sentido esa acumulación de tensión melódica en la altura.

Es muy escueto y suena muy vacío, como es lógico, pero es una buena opción si disponemos de sólo un instrumento melódico y queremos hacer algo así. En el caso del Violín, ¡podría haber usado cuerdas dobles!

Segunda Versión: Conducción a Dos Voces

En este caso ya tenemos que tener en cuenta algunas implicancias: aparte de ver cómo interactúan violín y guitarra, debemos ver ya derechamente la conducción entre las voces de ambos violines. Y es que en realidad esta es la gracia. Tenemos que siempre tener claro qué intervalo estamos formando entre ambas voces y qué tipos de movimientos tenemos. En este caso, tenemos una quinta directa en el compás 4, pero dentro del lenguaje no presenta problemas y es la mejor opción tomando en cuenta la guitarra.

Ya está mucho mas lleno que antes. Te recomiendo ver el video, al principio, para entender mejor las decisiones que hemos tomado.

Conducción a Tres Voces

Ya añadimos una tercera voz, mas aguda en este caso, y con ello una textura mucho mas “pad”. Ahora ya tenemos realmente algunas implicancias de conducción, que se explican mejor en el video.

Si bien hay octavas paralelas en el compás 4-5, que te invito a descubrir, era una buena opción si consideramos el resto del movimiento. Sonará como una cuestión tímbrica, apoyado por la cesura que se genera naturalmente entre ambos compases.

Enriqueciendo la Conducción: añadiendo adornos y notas de aproximación

Ahora añadiremos notas de paso entre las notas largas, notas vecinas, y algunas aproximaciones inclusive cromáticas. Le dá mucho interés ese movimiento interno, genera suaves contrapuntos que mantienen al oyente atento. Ahora, hay que cuidar de no recargar la textura ni desviar la atención del primer plano.

Palabras finales y conclusiones

¿Cual te gusta más?

Yo prefiero las dos últimas. Te invito a descargar MuseScore, un potente programa gratuito de edición musical, y jugar creando pequeños colchones para armonías sencillas:

Es una parte esencial del estudio, el aplicar. Sin eso, no hay nada.

Yo te diría que inclusive rompas algunas reglas, pero es importante siempre pensar: qué intervalos tengo entre las voces y qué tipos de movimiento tengo. Si hay movimientos paralelos, cuidar de que sean los precisos. Si son quintas u octavas paralelas, cuidar de que suenen bien y no estén restando a la textura. Sólo la práctica hace al maestro del oficio.

También puedes ahondar mas sobre los voicing y las disposiciones, para tener mas recursos, pero lo esencial es mantener consciencia de qué notas suenan y sus relaciones.

Apóyanos compartiendo y cuentanos…

¿Qué te parece a tí? ¿Cual versión quedó mejor?